Auteur/autrice : Taieb

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Franz Fischnaller : Here, switch to another project, because in this possibility of doing… I’m learning a lot of Leonardo da Vinci because he’s my master somehow, because he was exactly to what he did in the 15th century, what we are trying to do nowadays, only that he had different technologies, but he tried.

For example, “The Last Supper” painting is nothing else and a hologram. So we made a big research on that and I tried to get into the painting, make the visitor… this is a virtual reality application.

The people can really, in 8K virtual reality, on projection on 19 meters by 9 meters, they can get into this immersive environment so they can interact, they can zoom into the painting, they get the different viewpoints of what Leonardo was tricking in the perspective because he basically brought the visitors optically into the height of the horizon, which is 4,5m high.

So we are basically bringing this into virtual reality. So here we can see, for example, we made also gigapixels. I am working with a company which is making all these pictures and they are pioneers in this field today in Italy.

And so basically we are working on this dimension so we can really bring the people into the painting. But I want to not only bring the people into it, but I get into the painting so the whole thing becomes a point guard and you get in the back of the apostles.

So, here, the visitors can explore the different viewpoints and how Leonardo da Vinci has conceived the 3D room in the back. So he basically, in the painting, has exactly done this concept and we reconstructed all this. I worked with scientists, with historians and people who are in this field.

And so we reconstruct all these things. We also have experts, and we speak about the theory of Alberti, which was what I am using to measure the perspective, because it’s a sort of a grid that I move in interactive way and I can exactly measure and exactly control that the painting is exactly in the perspective correct.

I was lucky I could climb up to the painting, I could touch the painting – that was wonderful. And I could see that where the central point is, there you find a hole where Leonardo da Vinci has put a needle and he put strings to measure out exactly the whole thing.

So that’s how I did construct it. Unfortunately, I don’t show you the video here.

And this is how we construct. And doing this I found out that if I put exactly the 45 degree reflection on the mirror, I get exactly the reaction of a hologram effect.

Doing so, I was also discovering that the apostles, as I made them in 3D exactly in the position, because I could exactly reconstruct the perspective and I gave exactly the position. I didn’t care about making them naturalistically real, I mean just hyper realistic, I didn’t care about that, because I was more interested in the position.

And I found out that one of them have a hand with a knife. Basically the hand of the knife is one of the tricks of Leonardo da Vinci. I don’t give you the answer, but this is one of a trick that he is playing with the people, and this is how it goes.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Franz Fischnaller (Creative director, Kunstkraftwerk Leipzig)

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Franz Fischnaller : I think the solution is to work as the metaverse in these new productions. Because, I mean, the interdisciplinarity is what is happening.

And I will sort of flip through some images here. Can we get the PowerPoint please ?

Where I show, for example, how nowadays there is the possibility to work and how you can get the results. And so, basically what you have to do is to bring…

I’m just showing you here, for example, a project that I’m opening next week, I’m going to Leipzig. I’m director of a museum in Leipzig and I had the honor to start a production of a painting, of an artist which died thirty years ago. And he made a panorama painting of 123 meters large, 14 meters high, all oil on canvas. So we made a gigapixel out of that.

And so I wanted to get away from the normal video mapping and just putting big pictures in this motivation shows of the museums. So I interpreted this – this is just so you see how was generated these photographs.

And this is the whole painting. The painting is about the peasant war in the 15th century, and so it’s a way heavy topic and it is sort of a renaissance and the reformation.

And I’m getting into the details now, but the idea is that it is a very contemporary sort of work. And what we have to do, we have to be very innovative in the way we approach it because I have the rooms in the museum, they are square, so 30 meters by 15 meters and 8 meters high.

But I want to give the illusion of being into a panorama, in a circle. So we have to invent new ways of interpreting this.

These are some scenarios where I try to interpret the special effects – let’s call this special effect as we are speaking special effects – to don’t get the picture only, but to try to stimulate the visitors of what they are looking in the big panorama.

Because I don’t want to make a copy of the panorama, just place it up because we have gigapixels – we can enormously put up these things and there is the “wow” effect of the public -, but I want to stimulate them what in the story is inside and how they can basically interpret theses different places.

So I divided the whole painting in seven chapters and I described each scene in a different way, but everything hangs together, it’s a panoramical view.

And so this is how we make a bidimensional painting. Algorithmically, we made a 3D model, what we would algorithm, we translate the perspectives that you can have a 3D immersive environment because everything has become immersive in this set up that we are doing.

And so this becomes a big challenge of making it totally surrounding, whether in sound as in image, and to basically bring the people into the painting, to bring them after, to see whether the painting in the original – which is not far from the museum – and to get into.

So this is the first project I’m showing you here just to say that the collaboration… this is a very interesting project because I do this project in between San Francisco, Italy, Germany, and we do everything online and we have terabytes of images to send up and down. And so it works perfect. So this is the interdisciplinarity when you work.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Franz Fischnaller (Creative director, Kunstkraftwerk Leipzig)


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Gaston Marcotti : BigSun, qu’on a créé il y a trois ans, c’était un logiciel… A l’époque c’était une manière de combler des vides technologiques, techniques, pour aller vers de l’artistique comme on l’imaginait.

Entre temps, d’autres acteurs sont venus, ont investi le sujet – vous avez reçu Marc Petit tout à l’heure, il y en a d’autres encore qui vont surgir dans pas très longtemps.

Mais ce qui fait qu’aujourd’hui, BigSun tel qu’on a imaginé, c’est plus… aujourd’hui, il doit changer, c’est-à-dire que ça doit être un facilitateur de workflow et intégrer, justement, toutes ces couches métiers, toutes ces technologies, que ce soit la lumière, le son, l’environnement social – on parlait de métaverse aussi -, et ainsi de suite. Et surtout, continuer de le développer.

Dans ce sens-là, on s’est rencontrés avec Gilbert. Gilbert, qui a… je ne le dirai jamais assez, ArtFX c’est le top 10 des écoles aujourd’hui, dans le monde, de VFX.

Elle est reconnue, avec tous ces élèves brillants qui sortent – ils feront la pub mieux que moi -, qui se retrouvent d’ailleurs justement sur les Mandalorian et compagnie, Gilbert, pourra vous en parler.

En fait, on a décidé de collaborer, c’est-à-dire qu’on met non seulement notre savoir-faire maintenant ensemble pour aller vers cet univers immersif, ce plateau virtuel mais, en plus de ça, on va mettre BigSun en open source.

C’est-à-dire que ce que l’on souhaite, c’est être accompagnés dans ce développement par des écoles. Aujourd’hui, les premiers à en bénéficier c’est ArtFX directement. Donc ça on l’annonce là, aujourd’hui, et on est très fiers et très contents de cette réussite et de cette collaboration.

On va avoir un premier film pour Osaka, Gilbert en parlera, qui est en train de se préparer. Dans l’idée, c’est de continuer ce développement, de le maintenir, et c’est d’imaginer le futur.

Vous imaginez, un plateau de tournage aujourd’hui, ou plutôt l’année dernière, par rapport à un plateau de tournage dans trois ans ou dans cinq ans, ça n’a rien à voir.

Et je dirais même que ce n’est pas seulement des nouveaux métiers, mais c’est aussi comprendre le métier de l’autre. Un chef opérateur, par exemple, aujourd’hui, il ne peut plus faire l’impasse sur : “comment on éclaire une scène en 3D ?”.

C’est-à-dire que la célèbre phrase du “on verra ça en post-production”, aujourd’hui, elle doit être immédiatement, comment dire, on doit l’effacer. Elle n’existe plus, celle-là, puisque la post-production est maintenant en amont, on réfléchit en amont. On fait les assets, les décors, comment on va l’écrire, même à l’écriture, même, voilà comment on va le faire.

Dans tous ces métiers-là, il y a une vraie interconnexion, donc une intelligence collective. Et, encore une fois, si je reprends mon exemple de “La mort aux trousses” de tout à l’heure, ce n’est pas une personne qui a eu cette idée-là. C’est l’ensemble des personnes qui faisaient ce film qui ont imaginé ce dispositif novateur, et c’est ça qui a fait réussir ce plan extraordinaire.

C’est ce qu’on propose de faire aujourd’hui avec ArtFX et BigSun, c’est cette alliance. Et le logiciel libre, BigSun, aujourd’hui, voilà.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gaston Marcotti (Fondateur de Bizaroïd)

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Gilbert Kiner : Pour moi c’est l’essentiel, c’est travailler sur la communauté. Donc aujourd’hui l’école travaille sur la communauté.

Aujourd’hui, par exemple, un étudiant de quatrième année de l’école doit être capable d’enseigner en première, deuxième année. S’il est en quatrième année, il doit être capable de partager son savoir, parce que dans les studios, on va lui demander de partager son savoir.

Au début, les étudiants disent : “wow, mais je ne sais pas enseigner.” Et une semaine après ils m’ont dit : “chiche on y va, on va le faire.”

Et dès que ce réflexe se met en place, dès que cette habitude de partager se met en place, dès qu’on joue collaboratif, dès qu’on joue créatif, on va être capables d’aller plus loin. Mais ce n’est pas suffisant.

C’est pour ça qu’en plus de l’école, je vais créer une fondation qui va permettre de développer des projets entre des studios, des écoles, des laboratoires de recherche où, ensemble, on va pouvoir se dire : “prenons un risque sur un projet collaboratif”, où il y a un enjeu de création, mais il n’y a pas de risque, puisqu’il n’y a pas une production derrière qui tient, qui veut absolument obtenir des images. On a besoin de prendre des risques, de tester.

Donc avec Gaston, avec Bizaroïd, on va travailler en mode collaboratif sur des projets futurs dès le mois prochain avec l’école pour se dire : “chiche, on donne tous ces nouveaux outils à des jeunes étudiants pour qu’ils nous fassent des images différentes. Allez-y, prenez des risques.”

Et par ce risque, par cette collaboration, on pense qu’il va sortir un petit peu la créativité de demain.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gilbert Kiner (Président fondateur d’ArtFX)

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Gilbert Kiner : La technologie et le culturel vont marcher de pair. Je pense que le créatif va pousser la technologie plus loin.

Parce que nos jeunes talents, étudiants, vont prendre des risques, vont utiliser à contre sens certains outils et découvrir certaines choses.

Comme on a décidé d’utiliser des bains sans blanchiment à l’époque de la pellicule, en disant : “mais ça, il y a un bain qu’on doit utiliser en pellicule”, on décide de ne pas l’utiliser et l’image est différente, donc plus belle .

Là, pareil. Je pense qu’il faut qu’on soit capables de penser différemment, et je pense que c’est le rôle d’une école aussi de dire : “ok, les technologies sont là, qu’est ce que ça change ?”

On parlait de tournages écran LED. Pour moi, la technologie écrans LED, ça coûte cher. Mais ce n’est pas le problème. Le problème, c’est que tout à coup on va avoir des graphistes qui vont devoir travailler pendant le tournage.

Donc tous les éléments qui vont servir au tournage vont devoir être prêts en amont, et on doit être capables d’avoir des équipes capables de les animer quasiment en temps réel le jour du tournage.

Les tournages coûtent cher. Il faut donc que tout soit préparé, anticipé, mais avec de l’agilité. Agilité qu’on n’avait pas trop dans le cinéma auparavant. On avait des temps de calcul qui étaient très longs, donc on avait le temps de faire et de refaire.

Là, tout à coup non, on n’a pas le temps, puisque le réalisateur va vouloir cette créativité, cette agilité pour faire des images différentes et novatrices.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gilbert Kiner (Président fondateur d’ArtFX)

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Gilbert Kiner : Ça c’est un point essentiel pour moi puisque, quand j’ai fait mon métier de superviseur, ou avant comme graphiste, c’était une angoisse permanente.

La technologie évolue tout le temps, on n’est jamais assez formés. Et à l’époque, principalement en France, on est intermittent du spectacle, quand on arrive sur une production on doit savoir faire.

Mais on ne sait pas toujours, donc on prend des risques. C’est-à-dire qu’on s’auto-forme et on demande aux collègues de nous donner des coups de main.

Et, dans une école, c’était essentiel d’expliquer que l’essentiel de ce métier c’est avant tout des valeurs. Des valeurs de collaboratif, collaboration, travaillons ensemble. Des valeurs de “j’ose poser des questions”.

Même si je suis censé.e savoir, ben si je ne sais pas je dis “hey les gars, là je ne sais pas, j’ai besoin d’aide.”

Donc le collaboratif, les bonnes questions qui se posent, donc des valeurs de communication, d’interaction et, aujourd’hui, le travail doit se faire en collaboratif.

Le collaboratif est essentiel et va permettre l’auto-formation permanente, à différents niveaux, pour que ça se passe bien.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gilbert Kiner (Président fondateur d’ArtFX)

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Gilbert Kiner : On a un extrait, qu’on pourrait voir juste après peut-être, qui est un extrait qui est passé sur TF1 d’un drone, sur la planète mars je crois, qu’on voit en arrière plan derrière le plateau. Et tout à coup, on voit le drone venir s’installer sur le plateau.

Et là, tout à coup, on quitte l’univers traditionnel de ce qu’on a fait toujours avec des fonds bleus et des fonds vert, en manipulant en temps réel sur le plateau une image qui, de derrière, passe devant. Et là, on joue avec les sens du spectateur.

Et nos étudiants doivent expérimenter, chercher, jouer avec tout ça.

Frédéric Josué : On a l’image, on a l’image à l’écran.

Gilbert Kiner : Tout à coup, voilà, donc on voit une présentation sur un écran à l’arrière du plan, un drone sur la planète Mars. Et là, aie, problème. C’est que le drone en arrière plan arrive au premier plan. Et donc on perturbe les sens du spectateur, puisque tout à coup, on est plus de la réalité, quelque part.

Et le rôle d’une école, c’est de préparer des jeunes à se dire : “demain sera différent”, et comment je vais les aider à se préparer à cette différence pour être capables d’intégrer le cinéma qui n’existe pas encore.

Qu’est ce que sera le cinéma dans sept ans ou dans huit ans ? On ne sait pas.

Il y a l’effet covid avec le problème dans les salles, donc il y a déjà le problème des salles. Donc, je pense que les salles vont devoir se renouveler.

Mais également, je pense, c’est : “comment on va créer une narration cinématographique, en plus des narrations plateformes, et comment on va être capable de raconter des histoires demain ?”

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gilbert Kiner (Président fondateur d’ArtFX)

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Gilbert Kiner : Je crois que, quand on travaille dans le cinéma, on est tous dans la créativité et dans le rêve.

Mais je crois que quand on est dans une école, on a une autre responsabilité. On voit des jeunes sortir du bac, arriver pour cinq ans d’études aujourd’hui, voire six pour certains, et on se doit d’imaginer quel sera le métier lorsqu’ils sortiront de l’école.

On est sur des métiers tellement novateurs, qui sont à la fois classiques – c’est la création artistique, ça fait 2000 ans qu’on crée quasiment de la même façon – mais en même temps la technologie évolue tellement vite que, dans une école, on est obligés de tenir compte de la masse culturelle intégrée pour être un talent d’aujourd’hui.

Mais en même temps de se dire : “mais quel sera son métier dans cinq ou six ans lorsqu’il sort de l’école ?”

Sachant que lorsqu’ils sortent de l’école, on les a préparés à être cadres dans les studios, dans les grandes entreprises de l’audiovisuel, du cinéma, du jeu vidéo. Donc on va se projeter à sept, huit ou neuf ans pour eux.

Donc il faut qu’on imagine comment on doit faire un programme pédagogique capable de bien les préparer à ce que sera le métier à ce moment-là.

Et le métier évolue très vite. Quand on a vu le film Avatar arriver avec la prévisualisation, on a vu tout à coup une autre approche du cinéma où, tout à coup, le process traditionnel dans lequel on faisait un concept, un story board, on commençait à tourner des plans, on les montait, et la postproduction, post, venait après. On préparait des plans pour les réintégrer dans le montage. C’était très, très linéaire.

Moi, quand j’étais superviseur, j’avais des fiches techniques plan par plan et on suivait parfaitement la fiche technique. Et ça marchait comme ça.

Avec l’arrivée de la prévisualisation, le chef op et le réalisateur vont pouvoir modifier leurs éléments sur des images qui vont être composites, tournées sur fond vert, donc l’acteur tourne dans du vide, quelque part, il ne voit pas ce qu’il fait.

Et là, le réalisateur décide de tout changer. Parce que la dynamique du plan doit être différente. Parce que les animations, images de synthèse qu’on va intégrer vont se modifier, et on va pouvoir voir en temps réel des maquettes de cette modification.

Donc tout à coup, on a délinéarisé le process. Ce que le jeu vidéo faisait déjà depuis longtemps, on n’était pas capable de le faire au cinéma. Donc il fallait modifier ce process.

Donc nous, dans une école, comment intégrer tout ça dans une formation ? Comment va-t-on préparer un jeune d’aujourd’hui à ce que le métier sera demain ?

Donc, notre rôle, c’est de se dire : “wow, il faut à la fois les préparer avec des fondamentaux, mais à la fois surtout sur la narration, la création et la qualité plastique d’une image”, et à la fois se dire : “mais qu’est ce qu’on va faire pour les préparer mieux que ça ?”

Et par exemple, il y a deux ans, trois ans, avec différentes écoles de cinéma, on s’est dit : “ouah, le métier du cinéma traditionnel existe, il y a de très, très bonnes écoles pour ça. Mais il y a un nouveau cinéma qui se dessine, dans lequel la lumière va être faite avec des vrais projecteurs, mais également avec des images de synthèse.”

Et je me suis dit : “wow, dès que ce métier va se mettre en place, on aura besoin de chefs opérateurs, de chefs décorateurs qui sauront faire un décor en vrai et en images de synthèse.”

Pour l’instant, c’est deux univers. On met des superviseurs sur le plateau, et ça on le fera en post-prod, on le fera plus tard.

Et tout à coup, on dit : “non, il ne faut plus le faire après, il faut le faire pendant, pendant.”

Et tout à coup, avec cette technologie, on va devoir penser différemment et se dire : “si le chef opérateur décide de déplacer un élément de décor ou d’éclairer différemment, on peut manipuler l’image de synthèse en temps réel pour modifier la lumière, les rendus, voire animer des éléments de décor différemment.”

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Gilbert Kiner (Président fondateur d’ArtFX)

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Jean-François Tefnin : Moi, ce que je connais le mieux. – excusez-moi de revenir là-dessus -, c’est plutôt les tournages.

Et ce qu’on a longtemps dit des techniciens belges et de l’ambiance des tournages des tournages belges, c’est qu’il y a une forme de polyvalence des techniciens qui est, je crois aussi, assez similaire à ce qu’on voit en France et qui est très différente de ce qu’on trouve dans les pays anglo saxons, où un technicien, un électro ne peut pas toucher à une caméra, sinon il se fait taper sur les doigts.

Et c’est très, comment dire, compartimenté. Chaque acteur a son chauffeur, le chauffeur de l’un ne peut pas conduire l’autre comédien…

Mais tout ça, en Belgique, on a souvent dit – et moi je l’ai vécu, c’est vrai souvent -, c’est qu’il y a une forme de polyvalence et, je dirais, d’accompagnement et d’entraide et de bonhomie, on pourrait dire ça comme ça, assez forte.

Ce qu’on observe aussi chez nous, c’est que l’accueil, souvent, dans les villes, est très bon. On s’éloigne un petit peu, peut-être, du sujet ?

Frédéric Josué : Non, c’est fondamental. L’humain est fondamental, et ça a été dit et redit dans un très grand nombre de panels.

On parle beaucoup de technologie, on en parlait avec Marc Bourhis dans un panel précédent : l’interface humaine est fondamentale.

Jean-François Tefnin : Oui. C’est-à-dire, à la différence de grandes villes comme Paris ou peut-être aussi…

Frédéric Josué : Ne dites pas du mal de Paris.

Jean-François Tefnin : Non, non. C’est justement pas dire du mal. C’est-à-dire qu’il y a beaucoup moins de tournages en province – et en région wallonne – que dans les grandes villes comme Paris, Bruxelles et d’autres.

Et donc les gens qui y vivent sont plutôt contents de voir des tournages, alors que dans les grandes villes où il y a beaucoup de tournages, ils sont emmerdés sans cesse, parce qu’ils ne peuvent pas se garer, parce qu’ils peuvent pas circuler comme ils veulent, il y a des routes qui sont coupées, etc.

Donc voilà. L’accueil est encore très bon chez nous, souvent gratuit – on ne paye pas pour tourner à Liège, par exemple.

Mais ça c’est, je crois pas propre à la Belgique, c’est propre à des régions qui ne sont pas, comment dire, submergées par les demandes de tournages et par les tournages.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Jean-François Tefnin (Directeur de Wallimage Tournages)

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Jean-François Tefnin : Pour le faire court, on a l’équivalent du CNC. Donc ça, c’est des aides culturelles, ça dépend de la communauté française. On a les aides économiques, qui dépendent des régions – Wallimage, en l’occurrence – et qui analysent les demandes sur base de critères exclusivement économiques.

Et puis alors, vous l’avez dit, on a un système qui est relativement similaire à votre crédit d’impôt, et qui est un “tax shelter”, donc une défiscalisation de l’investissement privé dans le cinéma, et qui donc dépend du gouvernement fédéral.

Donc ça, c’est trois grands outils de financement du cinéma et de l’audiovisuel en Belgique francophone aujourd’hui – l’équivalent existe en Flandre.

Et comment ça se passe en région wallonne ? C’est ce que je connais le mieux.

On a trois départements au sein de Wallimage. Si c’est une entreprise qui demande notre aide, elle est accompagnée par le département “entreprises”, qui va décider ou pas d’investir dans le capital de la société, de l’aider à grandir.

On a le département “coproduction” qui, lui, investit dans les projets. Donc les projets de films, ou de séries, ou de VR… des projets audiovisuels.

Et puis alors le département que je dirige, qui est vraiment un département “services”, et qui, lui, va très concrètement soutenir le réalisateur, le repéreur, pour trouver des décors, pour trouver des techniciens, trouver des comédiens, obtenir les autorisations de tournage…

Donc c’est des services de logistique et d’autorisations et de compétences qui sont, je dirais, équivalents à ce qu’on connaît en France, en Allemagne, en Italie, avec les bureaux d’accueil qui dépendent aussi, en bonne partie, souvent des régions.

Donc tout dépend comment on s’adresse à nous. Une entreprise, un projet, ou alors des services que nous rendons.

Et les services que rend Wallimage tournage sont des services gratuits, toujours, quel que soit le projet.

Que ce soit une pub, un clip, peu importe, pourvu qu’il y ait de l’activité en région, les services sont gratuits.

Présentateur : Frédéric Josué (Président de 18M.io)
Intervenant : Jean-François Tefnin (Directeur de Wallimage Tournages)